Nichée dans l’une des salles du Musée d’art située au cœur de la tour de la Majorie, l’intrigante « Etagère » de Delphine Reist était inhabituellement silencieuse ce dimanche 5 décembre. Un calme bienvenu pour écouter le passionnant dialogue entre l’artiste sédunoise Delphine Reist et l’historienne de l’art spécialisée en art contemporain suisse et commissaire d’exposition au Musée Tinguely de Bâle, Séverine Fromaigeat.

Les deux femmes ont conduit le public à la découverte du travail de Delphine Reist en faisant défiler les images des différentes installations présentées aux quatre coins du monde. Des bouteilles de shampoing qui se vident toutes seules sur le rebord du mur d’une galerie, au Scanner géant de la Halle AP2 de Dunkerque, Delphine Reist aime donner vie aux objets. Elle les met en mouvement, souvent grâce à un mécanisme ingénieux, sans pour autant changer la nature première de ces objets.

L’ « Etagère », exposée au Musée d’art, en est un parfait exemple. Dans cette installation, l’artiste présente une série d’outils électriques déposés dans une étagère métallique, qui se mettent à vibrer subitement, à grand fracas. L’artiste explique que ces outils sont habituellement utilisés par les techniciens des musées lors des montages d’expositions. Ils sont ensuite soigneusement rangés dans leur étagère, hors de la vue des visiteurs. Or, dans son installation, Delphine Reist choisi à l’inverse de disposer ces objets en pleine lumière, au cœur de l’exposition. Elle souhaite ainsi « rendre visible les métiers de l’ombre et mettre en avant les personnes qu’on ne voit pas ».

La discussion menée par les deux intervenantes a ainsi permis au public de percer les secrets de la fameuses Etagère qui vrombit dans les salles du musée, tout en donnant envie d’aller découvrir d’autres de ses œuvres « vivantes » !

« La grande aventure, c’est de voir surgir quelque chose d’inconnu, chaque jour, dans le même visage. C’est plus grand que tous les voyages autour du monde. »

En exergue du premier chapitre de « L’œil sur le seuil », le nouveau livre de Christine Aymon, la citation d’Alberto Giacometti s’applique à merveille à la rencontre des membres de l’AMAV avec l’artiste en sa cabane du Cardelet à Vérossaz. Sa cabane, une bâtisse centenaire qu’elle a transformée en maison d’artiste, où elle nous ouvre par enchantement son art d’époustouflante beauté, d’incessante imagination et d’ardente humanité. Son œuvre protéiforme est l’espace tout entier dans lequel on entre, on s’émerveille, on vit la traversée de ses mondes, le murmure de ses forêts, les regards, les mains de ses personnages, de ses peuples élidés, la compagnie de ses oies, de ses cerfs, de ses loups, la mise en scène de mille vies, de mille illusions. « Je crois sincèrement, dit-elle, que l’art est une illusion et doit le rester. Mais une illusion qui suscite des sentiments vrais. »

La visite se poursuit à l’Espace ContreContre à St-Maurice. Surprise : on change d’univers, on tombe dans la nuit d’un grand espace nu, des écrans sur le sol, racontant les quinze histoires à retrouver au moyen de l’appli qui accompagne son livre, un casque et un siège par écran. L’ensemble est comme une sculpture vivante où les spectateurs constituent l’œuvre, dans un silence bruissant à peine.

Avec « L’œil sur le seuil », Christine Aymon s’est constitué une boite à trésors dans le but de l’ouvrir avec nous, d’y farfouiller sa vie, son art, ses folies, ses humains, ses vingt-huit écrivains contributeurs, des historiens d’art, des images, des écrits, et encore des images. « C’est le monde, c’est la vie déclinée de mille et une façons, ce sont les chapitres de mon livre, c’est ma vie déclinée de mille et une façons. Qui a dit que nous n’avions qu’une vie ? J’ai de toujours trouvé cette représentation de la réalité bien ennuyeuse, une seule vie ! Avec l’art, comme l’écrivain avec ses héros, je peux par les sujets que j’explore vivre mille situations. »

La visite fut, en un seul moment, mille moments.

Dans une ambiance vouée à l’écoute et à l’émerveillement, les 23 participant·es ont découvert comment Ritz a construit sa carrière de peintre à Düsseldorf en puisant ses sujets dans son Valais natal faisant figure d’exotisme, tout en étant précurseur dans la sauvegarde de notre patrimoine culturel et naturel. Pour Céline Eidenbenz qui « aime transgresser les logiques et les habitudes », tout art est ou a été un jour contemporain. En confrontant Ritz à des artistes actuels, en confiant à Sabine Zaalene un accompagnement sonore et vocal, elle nous montre qu’au-delà des styles et des époques, toute approche peut se faire avec notre perception d’aujourd’hui. Comme si Ritz sortait du passé pour apporter un sens inédit aux œuvres de notre temps.

A l’occasion de sa dernière exposition avant de rallier le prestigieux Aargauer Kunsthaus, Céline Eidenbenz a conçu une passionnante publication sous le titre de « Raphael Ritz. Fabrique d’un Valais exotique ». L’AMAV offre l’ouvrage à ses membres lors de la visite de l’exposition.

Par l’observation minutieuse des œuvres décadrées du peintre au Musée d’art, les membres ont eu le privilège de se familiariser avec la technique picturale de Charles-Frédéric Brun. En laissant de côté le caractère romanesque de ce mystérieux personnage et en se concentrant uniquement sur sa maitrise artistique, ils ont pu découvrir que ce dernier n’était probablement pas le fugitif vagabond et autodidacte que l’on peut se figurer à la lecture du roman de Jean Giono. Au contraire. En s’immergeant au cœur des recherches menées par Marie Claude Morand et Gisèle Carron, les membres de l’AMAV ont pu constater que Charles-Frédéric Brun était en réalité un peintre assurément bien formé, travaillant probablement dans un atelier et maitrisant parfaitement la préparation de ses supports et la création de ses pigments. 

Lors de la visite de l’exposition à la galerie Nînd’art de Nendaz l’après-midi, les membres ont pu se familiariser davantage avec l’artiste, en découvrant notamment ses talents de « restaurateur » par le biais de son intervention sur l’antependium de la chapelle Saint-Sébastien. La journée s’est achevée par la visite de la chapelle Saint-Michel ornée de magnifiques décors muraux peints par Charles-Frédéric Brun, faisant découvrir aux membres encore une nouvelle facette de cet artiste accompli. 

Sabrina Roh: Vous êtes restauratrice d’œuvres d’art sur papier. Est-ce une spécialité que vous avez choisie lors de votre formation ?

Caroline Dick: Tout à fait, dans la restauration d’art, on choisit soit la restauration de tableaux, soit la restauration d’œuvres sur papier. Il s’agit de deux supports différents, que l’on travaille avec des techniques différentes. Dans la spécialité que j’ai choisie, on peut soit se diriger vers la restauration de livres – durant laquelle on apprend notamment la reliure – soit vers la restauration d’œuvres d’art sur papier. On apprend à gérer les techniques du dessin, de la gravure, de l’aquarelle, du collage, du pastel, selon toutes les époques. Le dessin est souvent considéré comme le parent pauvre de l’art.

SR: Quelle est votre priorité en tant que restauratrice d’art?

CD: Le but est d’intervenir le moins possible et le plus discrètement possible. Il ne faut pas que l’on puisse percevoir la restauration. Tout ce que l’on fait doit être réversible. Ma mission est de résoudre ce qui entrave la lecture de l’œuvre mais pas de la dénaturer. S’il s’agit de tâches de vieillesse qui permettent tout de même d’appréhender l’œuvre, on les laisse. Un dessin du XVIIIea quelques siècles d’histoire qu’il ne faut pas effacer !

SR: Quelle place occupe l’histoire de l’art dans votre métier?

CD: Je travaille sur une palette d’œuvres très large, allant du XVIe au XXIe siècle. Dans une même journée je peux travailler sur un dessin du Déserteur et un dessin contemporain. Les problématiques sont différentes selon la période. Il faut donc connaître dans les détails le matériau – le papier – et la technique utilisée : un dessin au crayon ne sera pas traité de la même manière qu’une lithographie. Mais si dans mon métier c’est la pratique qui importe, les connaissances en termes d’histoire de l’art sont essentielles. Dans le cadre de ma formation, j’ai appris à regarder les œuvres et je continue à apprendre tous les jours à force d’en voir.

SR: Votre travail consiste-t-il uniquement dans la restauration d’œuvres?

CD: Il y a la restauration du dessin, mais aussi la conservation du support. Notre but est de conserver la vie du papier. Le Sacré-Cœur de Mariedu Déserteur sur lequel j’ai travaillé présentait par exemple un papier fragilisé à cause du vieillissement et de sa piètre qualité, typique des papiers que l’on trouvait à l’époque. 1850 marque en effet l’apparition des papiers à pâte de bois, aux fibres très courtes et donc très cassantes. Pour cette œuvre j’ai procédé à un doublage: j’ai collé le dessin sur un papier très fin que l’on voit à peine afin de lui offrir un support afin qu’une fois encadré, il ne subisse pas trop le poids des ans. Le Sacré-Cœur de Marieprésentait essentiellement des problèmes d’humidité, dus à la condensation et à de petits dégâts d’eau. Pour faire en sorte que cela n’arrive plus, j’ai développé la technique de montage du cadre dans lequel l’œuvre est arrivée afin qu’elle ne soit pas en contact avec le verre.

SR: Combien de temps vous prend la restauration d’une œuvre comme Le Sacré-Cœur de Marie?

CD: C’est toujours très difficile de répondre à cette question car je ne travaille jamais sur une seule œuvre durant plusieurs jours. La restauration se fait par étape, avec de longs temps d’attente. Si on humidifie le papier, il faut attendre qu’il sèche et observer les résultats, son évolution. Cela peut prendre plusieurs jours, voire plusieurs semaines. On y va tout doucement. De plus, cela dépend de la technique qui a été utilisée sur le papier. On ne travaillera pas de la même manière sur une lithographie que sur une œuvre où les couleurs sont plus fragiles. Le papier est un matériau vivant. Il faut qu’à chaque étape il s’habitude à sa nouvelle vie. Si on ne respecte pas cela, si on va trop vite, le papier se crispe et perd sa forme. On lutte quotidiennement pour expliquer aux gens qu’on ne peut pas avoir une œuvre parfaitement plate. Il ne faut pas brusquer le matériau mais lui laisser le loisir de se tendre et se détendre naturellement.

SR: Aviez-vous déjà restauré une œuvre du Déserteur?

CD: J’avais déjà travaillé sur une série de ses dessins. La technique est toujours très reconnaissable, ainsi que les pigments, qu’il confectionnait probablement lui-même avec ce qu’il avait sous la main. De plus, il utilisait souvent la même manière de faire ses mises en scène, avec un style bien particulier. C’est émouvant de travailler sur ses œuvres: les différents défauts nous prouvent qu’ils n’étaient pas exposés comme dans un musée, ni rangés au fond d’un placard. Les gens vivaient véritablement avec, comme un dessin que l’on laisse sur le coin de la table de la cuisine. Les traces qui témoignent de cet usage ne doivent pas être effacées car elles sont le témoin de l’histoire de ces œuvres.

En discutant avec notre interlocutrice, il devient évident que travailler sur les cadres ne sous-entend pas « passer à côté de l’art ». « Pour nous cela ne fait aucun doute : le cadre est au service du tableau. S’il est bien choisi et bien ajusté, il donne tout son potentiel à l’œuvre », affirme Eva Piaget, qui aime voir le regard de ses client·e·s s’illuminer lorsque le cadre approprié a été trouvé. « Ça se remarque, tout simplement. » Elle ajoute que la surprise et la découverte font partie de son métier. « Notre clientèle est constituée de beaucoup de particuliers et de quelques musées. On ne sait jamais quel type d’œuvre va nous être apporté. Une œuvre gothique ? De l’art brut ? La palette est très large. »

L’autoportrait de Marguerite Burnat-Provins encadré par l’atelier de dorure Piaget pour le Musée d’art du Valais s’est habillé d’un cadre hollandais du XVIIe siècle en poirier noirci et aux baguettes ondulées. « Ce cadre faisait partie de notre collection », précise Eva Piaget, qui confie être, avec son mari, constamment à la recherche de cadres anciens à restaurer. « Il se peut qu’un cadre reste des années dans notre réserve avant de trouver preneur », explique-t-elle. Pour l’autoportrait de Marguerie Burnat-Provins, l’atelier avait proposé plusieurs choix au Musée d’art du Valais. « Initialement j’aurais choisi un autre cadre. Mais au final, cette pièce hollandaise du XVIIe siècle met en valeur le tableau aux couleurs vives grâce à son bois sombre et à sa largeur importante » se souvient Eva Piaget, qui souligne qu’il s’agit surtout d’une histoire de goûts.

Après le choix du cadre selon les dimensions et le style du tableau, s’en suit le travail de restauration : collage, fixage, nettoyages, retouches. Tout est fait selon les matériaux et les techniques originales, ce qui demande un large éventail de savoir-faire, tant les cadres anciens sont différents les uns des autres. « Aujourd’hui encore je suis impressionnée de voir la variété de cadres qui se faisait auparavant », s’émerveille Eva Piaget. Celle qui dit être arrivée dans ce domaine par hasard car elle savait surtout ce qu’elle ne voulait pas faire, déplore la tendance actuelle à la standardisation et ce, dans tous les domaines. Reste qu’avec son métier, Eva Piaget participe à insuffler de la poésie dans ce monde, par l’intermédiaire d’objets dont la fonction première est d’être au service de l’art. Espérons que cette tradition perdure, car cette année, ils ne sont que trois apprentis dans toute la Suisse romande à se former au métier de doreur-encadreur.

C’est par un jour de pluie diluvienne que les Amis du Musées d’art ont suivi la route de Chavaz, sans même quitter Savièse. Souvenirs de voyage à l’aquarelle à l’espace « focus » et récits de vie dans l’atelier du peintre: une plongée dans l’existence d’un artiste qui a élu le Valais comme sa terre d’adoption.

« Le Valais est devenu pour moi le plus beau des Pays. Spécialement Savièse… ». Oui, Albert Chavaz est tombé littéralement amoureux du Valais. Parti pour y rester quelques mois, il ne l’a finalement plus jamais quitté. Ou presque. L’exposition focus « Albert Chavaz : les voyages (1957-1984) » à l’Espace d’exposition de la collection communale de Savièse, représente Chavaz le voyageur à travers de multiples aquarelles, véritables cartes postales de moments chéris de sa vie.

Partait-il pour mieux revenir ? Peut-être bien. Mais reste que Chavaz avait le goût de la route. En 1957 il acquiert une deux chevaux. Débute alors une série de périples en Europe, au cours desquels il immortalise à coups de pinceau les campagnes brûlées par le soleil, les baies tempétueuses et la mer, dessinée par couches successives.

Derrière ces toiles frôlant parfois l’abstraction, une géométrie se dessine. « Chavaz saisit l’essence du paysage, sa forme sous-jacente », souligne Christophe Flubacher, historien de l’art qui nous guide à travers l’exposition organisée par la curatrice Isaline Pfefferlé. Le travail du peintre traduit toute sa dichotomie : il se tenait constamment sur la brèche, oscillant entre technique irréprochable et vagabondage poétique. Il émane alors de ses œuvres une forme de lâcher prise contrôlé.

C’est dans son atelier que Chavaz passe la plus claire partie de son temps. Denis et Véronique, deux de ses enfants, nous ouvrent les portes de cette antre entièrement dévolue à l’art. La pièce – que l’on imagine baignée d’une douce lumière les jours ensoleillés – a des airs de cabinet de curiosité, où se mêlent flacons, papiers et statuettes. « La deuxième passion de notre père était de chiner. Il ramenait des objets improbables à la maison, au grand dam de notre mère », raconte, amusé, Denis. Pénétrer dans ce lieu a quelque chose d’émouvant lorsque l’on sait que le peintre a tenu, coûte que coûte, à vivre de son art, même dans les périodes plus difficiles.

Aujourd’hui Chavaz n’est plus, mais son œuvre continue de marquer les esprits, notamment grâce à la Fondation Albert Chavaz créée par les enfants du peintre. Des heures de recherche et d’inventaire qui permettent aujourd’hui de mettre en avant le travail et l’univers d’un peintre qui trouvait l’inspiration partout.

Il a fallu qu’en 1834 deux aristocrates britanniques, Lady Hope et sa fille Elisabeth, tombent sous le charme de Bex et de ses eaux thermales, qu’elles y acquièrent un vaste terrain, y fassent bâtir une maison de maitre, des serres et des pavillons pour qu’existe de nos jours le sublime parc de Szilassy, du nom de cet aristocrate hongrois qui se lie à la fille adoptive d’Elisabeth. Encore une histoire d’étrangers qui nous révèlent la riche beauté de notre pays ! À un rythme triennal, le parc inspire des artistes venus de Suisse et d’ailleurs. A une exception près, toutes les œuvres de Bex & Arts ont été imaginées et réalisées spécialement pour ce site magique.

Emmené.es par une guide, les Ami.es du Musée d’art du Valais ont passé de l’étonnement au ravissement, de la beauté à l’humour, du sens de la vie à celui de la création, du soleil automnal à l’ombre bienvenue de la buvette…

Le second acte de la journée fut la découverte du Festival Images Vevey, la plus importante biennale d’arts visuels de Suisse. Dans une époque où chacun s’improvise photographe, des artistes nous rappellent que l’art est autre chose, que l’art interroge, révèle, provoque, alarme, transforme, invite au mieux vivre, appelle au secours. Véritable musée à ciel ouvert, la cité de Vevey expose le meilleur de la création photographique contemporaine suisse et internationale. L’AMAV a eu recours à l’expertise d’une guide pour nous livrer les clés de lecture d’une dizaine d’œuvres et installations majeures du parcours.

Dans le cadre de Litte Sun Back Here de Flurina Badel et Jérémie Sarbach (Prix culturel Manor Valais 2019) présentée au MAV, les artistes nous ont invités, le dimanche 28 juin, à découvrir le second volet de l’exposition : une installation avec un grenier.

Cette « journée au soleil » débutait au Musée d’art du Valais: rendez-vous à 12:00 pour visiter librement le Quatrième, où se trouve le volet initial du projet de Badel/Sarbach. Ensuite, direction Binn, dans le Haut-Valais, dans un bus animé par une playlist musicale concoctée par Flurina Badel et accompagnée d’un petit lunch bag offert par l’AMAV. L’arrivée du bus fut accueillie par les publics déjà présents à Binn, aux alentours de 15:00.

Découverte de l’installation des artistes : une grange tournée à 180 degrés. L’intervention est discrète, poétique. Seule la différence de teinte du bois précise la modification apportée à l’objet, qui conserve toute sa nature. Une plaquette discrète signifie le contexte du Prix Manor 2019.

Puis, vernissage officiel avec les autorités (Jacqueline Imhof, Présidente de la commune de Binn et Céline Eidenbenz, directrice du Musée d’art du Valais, la commissaire de l’exposition Maelle Tappy et Josiane Imhasly pour la modération) : Badel/Sarbach sont félicités et remerciés d’avoir choisi Binn pour ce projet artistique.

En fin d’après-midi, nous inaugurions la troisième partie du livre-objet: un calendrier solaire retraçant la course de l’astre au-dessus de l’atelier des artistes à Guarda, en Basse-Engadine.

Même si le soleil ne fut presque pas au rendez-vous, il était symbolisé par Badel/Sarbach et ce projet d’envergure. Une journée appréciée: artistique, conviviale et stimulante.

La première activité de l’année à remporté un joli succès! 25 personnes se sont rendues à Lausanne pour une journée riche en découvertes artistiques.

Aiguillés par les commentaires d’une guide, les membres de l’AMAV ont arpenté les lieux du nouveau site Plateforme 10, accueillant l’exposition inaugurale du Musée des Beaux-Arts de Lausanne. Atlas. Cartographie du don présente une partie de la collection du Musée, faisant dialoguer des oeuvres issues de récentes donations avec celles ayant intégré les collections il y a des années déjà. 3200 m2 de voyage à travers les époques, les styles et les thèmes.

Les rencontres avec les artistes sont des moments privilégiés que l’AMAV aime offrir à ses membres. En quelques arrêts de métro, les 25 participant·es ont quitté l’imposante Plateforme 10 pour l’intimité de l’atelier de Sabine Zaalene. L’artiste plasticienne, vidéaste et auteure sédunoise a ouvert les portes de son monde, dans lequel se mêlent images, récits et leurs inspirations historiques et contemporaines.

Lange überlegte ich, wie ich diesen Text betiteln soll. Ein Besuch bei Pascal Seiler – ein Rückblick. Die AMAV erkundet das Oberwallis. Kunst aus dem Digitalen ins Analoge. Pascal Seiler zwischen Atelier und Museum. Auf den Spuren von… Wovon? – Aber der Titel ist nicht so wichtig.

Es ist die Landschaft. Das Rhonetal, das sich an diesem Standort in Gampel weit ausbreitet und einen ungewohnten Blick vermittelt: Nicht die Enge von Bergwelten, sondern die grüne Ebene, das flache Land. Der pure Kontrast zur Stadt Zürich, wo Seiler sein zweites Atelier betreibt und seine zweite Heimat gefunden hat. Zäune sind gespannt, eine Futterkrippe aufgebaut – es könnt gleich eine Kuh ins Bild spazieren, um das Klischeebild zu vollenden. So ist der Ausblick auf dem Atelier von Seiler. Idyllisch. Während rundherum Tankstellen, Fabrikationshallen, Baustellen und Betonklötze die Landschaft zeichnen, ermöglicht es dieses architektonische Meisterstück von Rita Wagner, den Blick gen Sitten zu richten und sich in der Landschaft zuhause zu fühlen.

Der Blick an die Decke enthüllt, was Pascal Seiler auszeichnet. Er liebt es gross, überraschend, überzeugend. Der metallene Haifisch, verkehrt an der Decke montiert, spiegelt uns Betrachter wider und nimmt Farben und Formen in seiner spiegelnden Oberfläche auf. Haie überleben nicht, wenn sie nicht in Bewegung bleiben. Dieser Zustand der stetigen Veränderung, der dazu führt, dass Seilers Arbeiten sich immer wieder in neuer Art zeigen, braucht aber auch ihr Gegenteil: das Statische dieses Hais, das Wiederkennbare in Seilers Arbeit. Wer sich mit ihm beschäftigt, wird ihm auch seine neuen Arbeiten problemlos zuschreiben können.

Das Atelier ist geräumig und stylisch eingerichtet. Man merkt es den Räumlichkeiten an, dass der Künstler sich dieses Atelier nach seinen Vorstellungen und Bedürfnissen hat bauen lassen, dass der Raum nicht erst annektiert werden musste, sondern schon Teil seiner Gedankenwelt war. Man findet in allen Ecken Arbeiten Seilers – ob zusammen gedacht oder nun zusammen gestellt, sie vermitteln den Eindruck eines Gesamtwerks. Man fragt sich, was war zuerst: die Ente als ausgestopftes Modell oder die modellierten Ente als Kunstwerk?

Auf der leerstehenden Fläche zwischen Eingangsbereich und «der Maschine» stehen angehäufte Elemente einer zukünftigen Skulptur. Violett, gelbe Fangarme einer Qualle? Teile einer Würgeschlange? Tentakeln eines Oktopus’? Es lässt sich nur erahnen, was vielleicht daraus werden kann, aber Seiler weiss es genau. Seine Vorstellungen modelliert er analog oder digital und lässt sie dann wachsen. So wie das Reh, das ruhig daliegt und uns Besuchende gelassen anblickt, noch unbemalt, unfertig, aber aufgrund seiner Grösse bereits durchaus beindruckend.

Pascal Seiler – unkompliziert, freundlich, ganz der Gastgeber, ist ein Profi und deshalb natürlich vorbereitet auf unseren Besuch: Er zeigt uns seine Arbeitsabläufe von der Idee, über das Scannen und digitale Verarbeiten hin zur Umsetzung an einem Beispiel, dessen Entstehen wir beobachten dürfen.

Die Maschine, die in Seilers künstlerischem Prozess die Arbeit des Fräsens übernimmt, frisst sich auf computergelenkten Bahnen durch den Kunststoff. Die virtuelle Form wird langsam aus dem realen Block herausgeschält. Langsam. Sehr langsam. Wir schauen eine Weile zu, wie das Gerät arbeitet – aber es ist wie bei den 3D-Druckern auch: Aus Begeisterung und Sensation wird nach 5 Minuten Ernüchterung. Es wird noch Stunden dauern, bis die Form vollendet ist. Frustration kennt Seiler darum trotzdem nicht. Er nutzt die durch den Arbeitsprozess entstehenden Zwangspausen für die Erarbeitung neuer Konzepte und Ideen.

Zum Schluss führte uns Pascal Seiler in die Wohnräume seiner Familie. So verlockend die Wendeltreppe in den oberen Stock war, war es dennoch überraschend, dass uns der Künstler, seine Partnerin Rita Wagner und ihre Tochter einen so privaten Einblick in ihre Wohnräume gegeben haben. Unten wie oben spielen Design und Kunst eine grosse Rolle. Leben und arbeiten verschmelzen auf wunderbare Art und Weise, gehen Hand in Hand.

Es ist die Begeisterung, mit der die beiden über ihren Alltag und ihre Werke sprechen, die uns einen so wertvollen Auszug aus der Künstlerseele geben. Und es ist die Herzlichkeit, mit der wir empfangen wurden, die uns diesen Tag nicht so schnell vergessen lässt.

14.sept. 2019, Angela Werlen

À l’occasion de Châteaux et Musées en fête, le 19 mai 2019, l’AMAV s’est associée à l’École de Couture du Valais et au Conservatoire Cantonal de Musique pour un défilé de mode inspiré de l’imagerie véhiculée par l’École de Savièse. « Eden. Un hommage à l’École de Savièse », ou la rencontre entre trois acteurs culturels valaisans, mus par une envie de faire dialoguer les arts.

Ernest Biéler, Edmond Bille, Marguerite Burnat-Provins ou encore Edouard Vallet ont cru retrouver, en arrivant en Valais au début du XXe siècle, un lieu encore vierge de toute marque d’industrialisation, un Paradis que ces artistes pensaient perdu à tout jamais. Attiré·es par une vie paysanne au diapason des saisons, les peintres que l’on classe sous l’expression « École de Savièse », s’appliquent à fournir une représentation idéalisée de ces hommes et femmes travaillant dans une nature d’avant le péché et évoluant fièrement dans leurs costumes traditionnels. Matières, motifs, drapés, coupes et couleurs structurent d’ailleurs les œuvres de ces peintres qui ont colonisé le Valais autour de 1900.

Touchée par cette imagerie d’un autre temps, c’est en février 2018 que l’AMAV émet l’envie de mettre en mouvement ces corps et ces tissus par l’intermédiaire d’un défilé de mode. À la recherche de magicien·nes du fil et de l’aiguille, l’association organise une rencontre avec Gabriela Schnyder, directrice de l’École de Couture du Valais. Heureux concours de circonstance, l’heure est justement à la recherche d’un thème pour l’examen final des troisième année. Le projet d’une collection inspirée des œuvres de l’École de Savièse est donc retenu.

Les portes du Musée d’art du Valais s’ouvrent alors aux étudiant·es de l’École de Couture de Sierre, et le lieu se fait le témoin d’une rencontre intergénérationnelle entre les jeunes couturier et couturières et les figures de l’École de Savièse. De leurs yeux aiguisés et avertis, les étudiant·es scrutent et s’imprègnent des couleurs, des formes et des motifs avant de s’en retourner à leurs croquis.

Le but n’est pas de revenir à ce Paradis désormais perdu, mais bien de s’en inspirer et d’en proposer une lecture contemporaine à travers 17 tenues, retenues parmi les projets proposés. Ainsi, depuis le mois d’octobre 2018, les troisième année de l’École de Couture du Valais ont travaillé d’arrache-pied à une collection de prêt-à-porter, présentée lors d’un défilé le 19 mai 2019 sur la terrasse du Musée d’art du Valais, dans le cadre de Châteaux et Musées en fête.

Pour rythmer cette rencontre entre peinture et couture, l’AMAV a contacté le Conservatoire Cantonal de Musique. Les modèles ont donc défilé sur des compositions du percussionniste Didier Métrailler, qui, pour le jour J, s’est produit avec Emilie Vuissoz.

« Eden. Un hommage à l’Ecole de Savièse » est un événement résolument interdisciplinaire qui a fait du Musée d’art du Valais, le temps d’une journée, un Eden retrouvé, empreint de modernité.

Communiqué de presse

À l’AMAV, on aime sortir et découvrir. Le 26 mai dernier, un petit groupe de passionnés d’art s’est déplacé à Pully pour découvrir l’exposition « Hodler et le Léman ». Le périple s’est prolongé ensuite jusqu’à Lausanne, dans le cabinet de l’artiste contemporain Robert Ireland. En photos et en allemand, Angela Werlen, artiste et membre de l’AMAV, raconte.

I

Als wir im niedlichen Dorfkern von Pully ankamen, war ich erstaunt, wie schön es in diesem mir völlig unbekannten Örtchen ist. Kleine Häuschen und herzige Läden warten auf dem Weg zum Museum. Wir waren etwas früh dran, weshalb wir im Café einen Halt machten und uns beeindruckt zeigten von einem Gourmet in unseren Reihen, der die fantastische Idee hatte, mit einem Himbeer-Macaron in den Tag zu starten.

II

Hodler war mir schon bekannt. Er war mir schon etliche Male begegnet und mochte ich ihn? Naja, um ehrlich zu sein, nicht wirklich. Immer diese Seen und das Abendrot, die expressiven Farben und immer dieser Kitsch, diese Sterbenden und all das Getue um die Geliebten, das scheinbar jedem Maler innewohnt. Worauf ich mich deshalb eingestellt habe: Maéva Besse stellt mir die Hodlerwerke vor, ich höre zu und finde ihn immer noch wenig interessant. Was mich wirklich passiert ist: Ich habe tatsächlich eine neue Seite Hodlers entdeckt, welche zudem so geschickt vermittelt wurde, dass ich mich zu keinem Zeitpunkt gelangweilt habe – ich staune. Wie ist das denn passiert? Ich, die ich bei Führungen stets abschweife und mich mit meinem Skizzenbuch absetze. Ich, die ich mit einem Ohr zuhöre und mit beiden Augen alles andere wahrnehme, als das, worauf sich mein Blick richten sollte. Ich, die ich dachte, schon genug über Hodler zu wissen, um ihn wenig aufregend zu finden, wurde überrumpelt von so viel Kompetenz, Wortgewandtheit und pädagogischem Können.

III

Hodler war allein – er verlor seine Eltern und seine 5 Geschwister schon sehr früh. Da entschloss er sich, sich zu Fuss von Thun Richtung Genf aufzumachen. Eine lange, einsame Wanderschaft, die mit einem Blick auf den Lac Léman belohnt wurde. Ein Bann, dem sich Hodler nie mehr entziehen konnte. Die Hälfte seiner Seelandschaften widmete er dem Genfersee. Das Museum von Pully – übrigens eines der einzigen Museen, von dem aus man den Léman sehen kann – zeigt damit nicht nur eine Rückschau auf Hodlers Léman, sondern auch eine aktuelle Sicht, welche heute leider grau, kühl und wenig atemberaubend ist.

Holder erkannte die parallelen Linien in der Landschaft, setzte sie gleich mit dem Tod, unterbrach diesen Parallelismus aber immer wieder durch vertikale Linien. Rhythmen gleich durchziehen sie die Landschaft und setzen wichtige Akkorde, durchbrechen den Tod mit Leben und Vitalität. Dieses Spiel mit Symmetrien, universalen Prinzipien und parallelen Landschaftsstrichen ist das, was ich im Grunde kannte und doch erst erkennen musste. Und dann kamen die Schwäne… Hodler, der Schwäne malt… Das hatte ich noch nie gesehen… Wobei „gemalt“ schon beinahe übertrieben ist. Es ist eine Ansammlung von wilden Strichen, roh, manchmal detailliert, jeder anders, immer individuell, mit Charakter – wie die Schwäne eben sind. Die Schwäne werden mit dem Pinsel gleichzeitig kon- und dekonstruiert. Sie sind in einem fabelhaften Schwebezustand zwischen Sein und Schein. Zum Glück gab’s im Museumsshop eine Postkarte davon zu kaufen, sonst hätte ich mich noch über die Vorschriften hinwegsetzen und ein Foto machen müssen.

IV

Mit dem Bus reisten wir nach Lausanne weiter, wo wir uns im Atelier von Robert Ireland einfanden. Ich kannte ihn noch nicht persönlich. In meiner Zeit im Stiftungsrat der ECAV hätten wir uns zweimal treffen sollen – einmal war er krank und einmal ich. Umso gespannter war ich nun, diesem Künstler zu begegnen, dessen Name wilde Kühnheit und unendliche Weiten verspricht. Natürlich merkt man sofort, dass Ireland auch Lehrer ist. Er kann sein Werk in Worte fassen, uns mit Worten fesseln – das ist bei Gott nicht allen Künstlern gegeben ist. Seine Ideen erzählen von Zerstören, Zwischenräumen, Zeichnen. Aber auch von Malen, mehreren Schichten, möglichen Kartierungen und der Magie des Zufalls. Die Zeit vergeht denn auch wie im Flug, wenn man so viel Neues hört, eintauchen kann in das Werk von anderen und auftaucht mit einem Bündel neuer Ideen.

Nous avons le plaisir de vous informer que l’AMAV a récemment adhéré au projet « PASS MURAILLES » lancé lors de la journée de Châteaux et musées en fête par la Société des Amis de Valère.

Ce pass permet d’embrasser toute la richesse de l’offre culturelle, gastronomique et de loisirs du site des collines de Valère et Tourbillon.

Pour CHF 49.-, vous pourrez ainsi, et cumulativement, assister par exemple à l’une des représentations du Petithéâtre, à un concert du Festival de Sion, des Riches heures de Valère, du Festival de l’orgue ancien, à une représentation au Théâtre de Valère, ou profiter de nombreuses autres offres inédites, dont des réductions de restaurant.

22 partenaires se sont associés à cette démarche : Petithéâtre, Théâtre de Valère, Musées cantonaux du Valais, Château de Tourbillon, les Amis de Valère, les Amis du Musée de la nature, les Amis du Musée d’art, le Sion Festival, le Festival de l’orgue ancien, les Riches Heures de Valère, l’Office du Tourisme, Sion en Lumières, le Café des Châteaux, la Cave de Tous vents, l’Enclos de Valère, l’Open Air Cinéma, l’Escape room, la Farigoule et l’Atelier-expo Othal.

L’ensemble des offres représente une valeur de CHF 500.-.

Seuls 500 exemplaires de ce pass sont édités. Nous vous invitons dès lors à les commander sur le site internet www.passmurailles.ch ou les obtenir en vente directe à l’Office du Tourisme.

Organisé par la Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia, le «Salon Suisse» se déroule en parallèle de l’exposition au Pavillon suisse et aura lieu pour la 8e fois en 2019. Le programme consiste en une série de lectures, conversations et événements culturels et se veut un point de rencontre tout le long de la Biennale sur différents week-ends. Il offre la possibilité de discuter d’art et de la Biennale dans une atmosphère détendue et stimulante. Céline Eidenbenz, directrice du Musée d’art du Valais, développera le programme du «Salon Suisse» en 2019 et en sera l’hôte en tant que Salonnière. La 58^e Biennale d’art de Venise aura lieu du 11 mai au 24 novembre 2019.

Plus d’informations : www.biennials.ch

Retrouvez aussi l’information sur Le Nouvelliste

Céline Eidenbenz wird den «Salon Suisse» der Kunstbiennale 2019 von Venedig kuratieren

Parallel zur Ausstellung im Schweizer Pavillon findet seit 2012 der «Salon Suisse» statt, organisiert von der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia. Die Vortrags-, Gesprächs- und Veranstaltungsreihe bietet an mehreren langen Wochenenden Gelegenheit, sich in entspannter und anregender Atmosphäre über Kunst und die Biennale auszutauschen. Programmgestalterin und Gastgeberin des «Salon Suisse» 2019 wird Céline Eidenbenz sein, die Direktorin des Kunstmuseums Wallis. Die 58. Kunstbiennale 2019 von Venedig wird vom 11. Mai bis zum 24. November 2019 stattfinden.

Weitere Informationen: www.biennials.ch

Walliser Bote

Art Paris Art Fair

La Suisse à l’honneur

Forte de sa diversité culturelle, la Suisse fait beaucoup parler d’elle dans le milieu de l’art. Cette année, elle était l’invitée d’honneur d’Art Paris Art Fair. Pour l’occasion, l’historienne de l’art et commissaire d’exposition Karine Tissot a imaginé une exposition mettant en avant l’art contemporain de notre pays. En quatre « volets », elle a souligné l’originalité de la démarche des artistes suisses.

Un séjour de découvertes

Avec une offre culturelle aussi foisonnante que celle de Paris, l’AMAV ne pouvait pas s’arrêter là! Art Paris a invité l’association à deux autres visites commentées.

Le Musée d’art du Valais est l’un des quatre musées suisses nominés à l’«European Museum of the Year Award 2018» – EMYA -. Attribué chaque année depuis 1977 sous les auspices du Conseil de l’Europe, il récompense des musées nouvellement ouverts ou récemment transformés, qui proposent une présentation innovante de leurs collections ainsi qu’une approche créative de la médiation culturelle et de la responsabilité sociale.

Suite au dépôt de sa candidature pour ce Prix, le Musée d’art a été auditionné sur place par les experts du Prix (visite et entretien avec l’une des jurées internationales, puis visite incognito par un autre juré).

Le Musée d’art a fait valoir l’originalité, la qualité et l’intérêt de son positionnement institutionnel (citoyenneté, médiations intégratives, suprarégionalité, dialogue passé-présent, interdisciplinarité, culture-plaisir, etc.), traduit dans la nouvelle présentation de ses collections inaugurée en automne 2016.

Le Musée d’art est très heureux et fier de figurer parmi les 4 institutions suisses et 40 européennes nominées.

Le musée lauréat pour l’année 2018 sera désigné à Varsovie en mai 2018.

Avec cette nomination, les Musées cantonaux voient leur positionnement original et pionnier distingué une nouvelle fois. Pour rappel, le Musée d’art a été lauréat du Prix de la canne blanche 2011 décerné par l’Union centrale suisse pour le bien des aveugles, et le Musée de la nature a reçu le Prix de l’Académie suisse des sciences naturelles (SCNAT) pour son exposition Objectif Terre en 2016.

Plus d’infos : www.emya2018.eu.

Das Kunstmuseum Wallis in Sitten ist für den Europäischen Museumspreis 2018 nominiert.

Das Kunstmuseum Wallis in Sitten ist eines der vier für den «European Museum of the Year Award 2018» nominierten Schweizer Museen. Seit 1977 vergibt die EMYA jährlich, unter der Federführung des Europarates, diesen Museumspreis. Dieser belohnt neu eröffnete oder neu gestaltete Museen, welche ihre Sammlungen auf eine innovative Art und Weise präsentieren sowie einen kreativen Ansatz der kulturellen Vermittlung und der sozialen Verantwortlichkeit vorzeigen.

Nach der Hinterlegung seiner Kandidatur wurde das Kunstmuseum vor Ort durch die Preisexperten geprüft (Besuch und Gespräch mit einer der internationalen Geschworeren und danach Inkognito Besuch durch einen weiteren Geschworenen).

Das Kunstmuseum wusste mit seiner im Herbst 2016 eingeweihten neuen Präsentation der Sammlungen seine Originalität und das Interesse seiner institutionellen Positionierung (Staatsbürgerschaft, integrierende Vermittlung, Überregionalität, Dialog Vergangenheit-Gegenwart, fachübergreifende Interessen, Kultur-Vergnügen, usw.) geschickt in Wert stellen.

Das Kunstmuseum freut sich ganz besonders, zu den 4 nominierten Schweizer Institutionen der 40 Europäischen Nominierten zu zählen.

Das Gewinnermuseum für das Jahr 2018 wird im Mai 2018 in Warschau erkoren.

Mit dieser Nominierung sehen die Kantonsmuseen ihre originelle und bahnbrechende Positionierung erneut wahrgenommen. Zur Erinnerung: Das Kunstmuseum war Preisgewinner der „Canne blanche 2011“, welche durch den Schweizerischen Zentralverein für das Blindenwesen vergeben wird und das Naturmuseum erhielt für seine Ausstellung „Objectif Terren“ im 106 den Preis der Akademie für Naturwissenschaften (SCNAT).

Für weitere Informationen: www.emya2018.eu.

Le 27 janvier prochain les Amis du Musée d’art du Valais se rendront à Lausanne, et plus précisément au Palais de Rumine, afin de suivre une visite commentée de l’exposition « Ai Weiwei. D’ailleurs c’est toujours les autres ».

Guidés par Maéva Besse, membre de l’AMAV, les Amis auront la chance de découvrir les oeuvres du célèbre artiste et activiste chinois Ai Weiwei, avant l’heure d’ouverture du musée au public.

L’AMAV est heureuse (et fière!) de vous annoncer son premier soutien financier pour l’acquisition d’une oeuvre d’art! Le tableau d’Abraham Poincheval intitulé Bouteille fait désormais partie de la collection permanente du Musée d’art du Valais. Il représente l’habitat minimal en forme de bouteille dans lequel l’artiste français a résidé du 25 au 30 août dans le cadre de la TRIENNALE 2017, achevant ainsi son parcours à rebours du cours naturel du Rhône.

Tout en complétant la collection d’art contemporain du Musée d’art du Valais, cet objet enrichit aussi l’ensemble des oeuvres relatives au Rhône déjà conservées au musée. En 2017, l’institution avait d’ailleurs proposé un voyage au fil de ce fleuve à travers l’exposition Le Rhône et les rêves.